Frankfurt/Oder: Urbane Kommentare

URBANE KOMMENTARE

13.6. – 30.8.2020

Brandenburgisches Landesmuseum für Moderne Kunst
Rathaushalle
Marktplatz 1
15230 Frankfurt/Oder

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Ich mag es immer wieder sehr, bei Städtetouren auch ein Blick in die lokalen Museen zu werfen. In Frankfurt/Oder hat die Zeit nur für ein Museum gereicht. Ich habe mich für zeitgenössische Kunst entschieden. Noch bis 30. August 2020 findet eine interessante Ausstellung im Brandenburgischen Landesmuseum für moderne Kunst statt.

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Erik Göngrich: Welt der Tiere, 2020

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Dabei geht es um Kunst im Stadtraum von Frankfurt (Oder), den architektonischen Strukturen sowie den Leer- und Freiräumen der Stadt.

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Uwe Pfeifer: Durchgang in Halle-Neustadt, 1971

Es ist ein fast nicht mehr existentes Alltagsleben, daher wirkt es in vielen Facetten nostalgisch und manchmal auch altmodisch. Bei einigen Bildern denkt man unwillkürlich an die „gute alte Zeit“ zurück, die es so schon längst nicht mehr gibt.

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Michael Voll: Landschaft mit großem Bauwerk, 1987

Ehemalige DDR-Bürger erinnern sich beim Betrachten an das Leben von einst, damals, zur Zeit des Kalten Krieges, das fast schon vergessen ist und durch die Bilder und Skulpturen zu neuem Leben erweckt werden kann, hineingezogen in die Realität des Daseins. Voraussetzung ist jedoch, man lässt sich darauf ein oder eben nicht.

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Max Lingner: Straße nach Rummelsburg, 1958

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Günther Friedrich: Zum Beispiel Cottbus-Sandow, 1978

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Konrad Knebel: Berliner Straße mit Fernsehturm, 1969

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Konrad Knebel: Berliner Bauplatz, 1961

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Franziska Neubert: Parkhaus, keine Jahresangabe

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Oskar Erich Stephan: Universitätshochhaus, 1970

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Uwe Pfeifer: Poetischer Moment, 1973

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Uwe Pfeifer: Bei Vollmond, 1973

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Ulf Raecke: Architektonisches Gebirge (Originaltitel)/Ein Zeichen (späterer Titel), 1983

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Das Brandenburgische Landesmuseum für Moderne Kunst in Frankfurt/Oder freut sich über Ihren Besuch!

Düsseldorf: Hommage an Peter Lindbergh (1944 – 2019)

PETER LINDBERGH: UNTOLD STORIES

5. Februar – 27. September 2020

Kunstpalast Düsseldorf
Ehrenhof 4 – 5
40479 Düsseldorf

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Der Besuch dieser Ausstellung stand schon lange auf meiner Agenda. Doch dann kam Corona und damit die Schließung aller Museen. Nachdem sie ab Mitte dieses Jahres wieder geöffnet hatten, stand dem Besuch in Düsseldorf nichts mehr im Wege. Allein schon die Architektur des Kunstpalastes ist sehenswert. Und die Ausstellung mit den großen Schwarzweißfotos – einfach fantastisch. Absolut empfehlenswert!

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Zur Ausstellung: Untold Stories im Düsseldorfer Kunstpalast ist die erste von Peter Lindbergh selbst kuratierte Werkschau. Der 1944 geborene und in Duisburg aufgewachsene Fotograf hat zwei Jahre an der Präsentation gearbeitet. Lindberghs Zusammenstellung von 140 Arbeiten aus den frühen 1980er-Jahren bis heute ermöglicht einen eingehenden Blick auf sein umfangreiches Œuvre und lädt zum Entdecken vieler bislang unerzählter Geschichten ein.

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Ein Großteil der Aufnahmen wurde noch nie in Ausstellungen gezeigt; andere wurden von Zeitschriften wie Vogue, Harper’s Bazaar, Interview, Rolling Stone, W Magazine oder dem Wall Street Journal in Auftrag gegeben und veröffentlicht.

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Nicht die Mode, sondern der porträtierte Mensch steht in Lindberghs Bildern im Vordergrund. Mit seinen Werken ist es ihm gelungen, den unmittelbaren Kontext von Modefotografie und zeitgenössischer Kultur zu überschreiten und neu zu definieren. Untold Stories ist eine besondere Hinterlassenschaft des im September 2019 verstorbenen Peter Lindbergh und zugleich sein persönliches Statement zur Modefotografie.

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Eine Ausstellung des Kunstpalastes Düsseldorf in Kooperation mit dem Peter Lindbergh Studio, mit Stationen im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Hessisches Landesmuseum Darmstadt und MADRE in Neapel.

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Trailer zur Ausstellung hier!

Apropos! Anlässlich des Jubiläums „70 Jahre Porsche Sportwagen“ gab es 2018 ein gemeinsames Projekt von Porsche mit Peter Lindbergh. An einem Strand in Nordfrankreich entstand 2018 eine ikonische Schwarz-Weiß-Bilderserie mit einem historischen 911 sowie dem Konzeptstudie „Mission E“ – das Vorbild für den vollelektrischen Porsche Taycan.

Die Bilder aus dem Lindbergh-Shooting werden zusammen mit den „behind-the-scenes-Bildern“ vom 22. Juni bis 1. November 2020 bei Porsche auf Sylt (Keitumer Landstraße 14, 25980 Sylt/Westerland) ausgestellt.

 

 

 

 

Mugler Couture in Munich

THIERRY MUGLER: COUTURISSIME

May 25, 2020 – February 28, 2021

Kunsthalle München
Theatinerstraße 8
80333 München001

For the first time in Germany, the Kunsthalle München is presenting an exhibition about the French creator Thierry Mugler. It is initiated, produced and circulated by the Montreal Museum of Fine Arts (MMFA), in collaboration with the Maison Mugler which restored the designer’s heritage couture. The exhibition is curated by Thierry-Maxime Loriot under the direction of Nathalie Bondil, Director General and Chief Curator of the Montreal Museum of Fine Arts.

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This spectacularly staged retrospective presents the multifaceted work of this visionary couturier, director, photographer and perfumer. It showcases more than 150 haute couture and prêt-à-porter outfits, stage costumes and accessories, videos, photographs, design sketches, and archival material created between 1977 and 2014. Some 100 works by famous fashion photographers who have staged Mugler’s creations, from Helmut Newton (1920–2004) to David LaChapelle (*1963), round out the exhibition.

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In the early 1970s, Mugler, who was trained as a classical ballet dancer, revolutionized
fashion by countering the flowing bohemian looks of the hippie era with morphological and futuristic cuts as well as sculptural, elegant, and form-fitting silhouettes. With his designs, Mugler lent heroic strength to the people he once described as „fragile, beautiful creatures“.

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In times of cocooning, of retreating from a world perceived as unmanageable and threatening into a domestic private life, Mugler created glamorous armor that transformed women into superheroines by borrowing from the world of animals and myths as well as from the universe of modern technology and architecture. He experimented with innovative materials such as metal, Plexiglas, fake fur, vinyl and latex. „My only measure is excess,“ said Mugler of his extravagant creations.

His designs were worn by stars such as Diana Ross (*1944), Liza Minelli (*1946), David Bowie (1947–2016), Céline Dion (*1968) and Lady Gaga (*1986); he also created costumes for tours and videos of stars like Beyoncé (*1981).

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Mugler recruited collaborators from all over the world to realize his fantastic ideas, including car painters and leather craftsmen, printing technicians, photographers, scientists, and artists. His fashion is characterized by a sophisticated mixture of high and popular culture, in which refined haute couture meets drag show drama. It moves between elitism and mass appeal, between tradition and transgression.

A brilliant storyteller with a penchant for theatrical performance, Mugler has created some of the most spectacular fashion shows of his time. He designed costumes for the production of Shakespeare’s Macbeth put on by the Comédie-Française and the Festival d’Avignon, as well as for Cirque du Soleil’s Zumanity. He also staged his own revues, such as the Mugler Follies in Paris and The Wyld at Berlin’s Friedrichstadt-Palast.

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As a photographer and filmmaker, he directed the video clip „Too Funky“ by British singer George Michael (1963–2016) as well as short films with Isabelle Huppert (*1953) and Juliette Binoche (*1964). Mugler’s work is distinguished by numerous collaborations with big names of the art world – such as interior designer Andrée Putman (1935–2013) and well-known photographers like Helmut Newton (1920–2004), Guy Bourdin (1928–1991), Dominique Issermann (*1947), Herb Ritts (1952–2002), Ellen von Unwerth (*1954), David LaChapelle (*1963) and Pierre & Gilles (*1950 and *1953).

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The exhibition presents the various aspects of Mugler’s art as a sequence of eight opera acts.

ACT I – FUTURISTIC & FEMBOT COUTURE

By creating futuristic, aerodynamic and robotic looks that radiate superhuman strength, Mugler directs attention to the relationship between man and machine. His cyborgs and chassis-outfitted characters are harbingers of the transhuman revolution that shapes our everyday life. The designer was inspired by science fiction and comic heroines as well as by medieval armor and uniforms, industrial design, and futuristic vehicles.

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ACT II – STARS & SPARKLES. STAGING FASHION

„My only true vocation is the stage.“ In the conviction that fashion must be shown in a musical and theatrical setting, Mugler justified the principle of the fashion show as a spectacle. In 1984, he opened a stunning show at the Paris Zenith, a veritable fashion opera, for 6000 people. His catwalk became a stage for musical comedies, scenes from comics, Hollywood movies, and glamorous cabaret shows. He also introduced the trend of having stars model at fashion shows.

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ACT III – TOO FUNKY

The music video for the famous song „Too Funky“ by British pop star George Michael (1963–2016) was released in 1992; it marked the beginning of Mugler’s career as a video director. The song appeared on the charity album Red Hot + Dance, which was intended to raise funds for the fight against AIDS – a cause supported by both the singer and the designer.

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ACT IV – BELLE DE JOUR | BELLE DE NUIT

Amidst the hippie movement, Mugler countered the flower power and ethnic looks of the early 1970s with the invention of his „glamazon“– a modern, stylish, urban, and unconventional woman. She distinguished herself through bold, figure-hugging cuts, architectural silhouettes and innovative materials, and developed the concept of power dressing. From then on, the power of female seduction went hand in hand with professional success.

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ACT V – MACBETH

July 6, 1985 was the opening night of the Avignon Festival, in which the Comédie-Française put on a new production of William Shakespeare’s famous Macbeth. Influenced by his own theater experience as a dancer and his fascination for opulently staged productions, Mugler designed over 70 costumes and accessories for this play. He had been given the largest budget for this purpose since the company’s founding in 1680.

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ACT VI – BEYOND FASHION: MUGLER BEHIND THE LENS

The trigger for Mugler’s interest in photography came about in 1976, when he asked Helmut Newton (1920–2004) to do an advertising campaign for him. Mugler interfered so much during the shoots, however, that Newton finally told him he should do it himself – which the designer did. While Mugler continued his collaboration with Newton for over 20 years, he also developed his own unique visual language for campaigns. Playing with proportions and perspectives, his photographic dramatizations often set his models in monumental settings, where they appeared to be miniature figures. Marked by the memory of the Gothic cathedral of his Strasbourg childhood as well as by Art Deco, Soviet, and futuristic aesthetics, Mugler photographed his muses in inaccessible places like the icebergs of Greenland, the dunes of the Sahara or the dizzying heights of the Chrysler building.

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Fantastische Frauen in der Frankfurter Schirn

Fantastische Frauen. Surreale Welten von Meret Oppenheim bis Frida Kahlo.

13. Februar 2020 – 5. Juli 2020

Schirn Kunsthalle Frankfurt
Römerberg
60311 Frankfurt

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Kürzlich habe ich den Roman Die Zeit des Lichts gelesen. Er führte mich in die 1920er Jahre in Paris. Im Buch ging es um die Beziehung zwischen Man Ray und dem Model sowie der späteren Kriegsberichterstatterin Lee Miller. Sie ist eine der zentralen Künstlerinnen der Ausstellung. So kam es, dass ich bei meinem Besuch schon mit den meisten Namen der weiblichen Protagonisten vertraut war. Zum Teil habe ich das der Lektüre des Buches zu verdanken, zum Teil anderer Ausstellungen oder Büchern. Es gab also immer wieder ein ganz besonderes Aha-Erlebnis beim Betrachten der Kunstwerke.

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Unbedingt zu empfehlen ist die App als Begleiterin durch die Ausstellung und/oder die Video-Führung mit Kuratorin Ingrid Pfeiffer.

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Göttin, Teufelin, Puppe, Fetisch, Kindfrau oder wunderbares Traumwesen – die Frau war das zentrale Thema surrealistischer Männerfantasien. Künstlerinnen gelangten zunächst als Partnerin oder Modell in den Kreis um den Gründer der Surrealisten-Gruppe, André Breton. Schnell brachen sie aus diesem Rollenverständnis aus und schufen selbstbewusst unabhängige Werke. Die Ausstellung der Schirn beleuchtet erstmals den weiblichen Beitrag zum Surrealismus und zeigt, dass die Beteiligung der Künstlerinnen an der internationalen Bewegung wesentlich umfassender war als allgemein bekannt und bislang dargestellt.

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Unbewusstes, Traum und Zufall, Mythen und Metamorphosen, Literatur und das politische Zeitgeschehen sowie Materialexperimente und inszenierte Fotografie – viele bekannte Themen des Surrealismus kennzeichnen ebenso die Werke der Frauen. Was die Künstlerinnen von ihren männlichen Kollegen vor allem unterscheidet, ist die Umkehr der Perspektive: Durch die Befragung des eigenen Spiegelbilds oder das Einnehmen verschiedener Rollen sind sie auf der Suche nach einem (neuen) weiblichen und künstlerischen Identitätsmodell.

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Die Ausstellung konzentriert sich auf Künstlerinnen, die direkt mit der Anfang der 1920er-Jahre in Paris gegründeten surrealistischen Bewegung verbunden waren, wenngleich bisweilen nur für kurze Zeit: Sie waren mit André Breton persönlich bekannt, stellten mit der Gruppe aus, beteiligten sich an Publikationen und setzten sich mit den surrealistischen Ideen theoretisch auseinander. Mit rund 260 Gemälden, Papierarbeiten, Skulpturen, Fotografien und Filmen von 34 Künstlerinnen aus 11 Ländern bildet die Schau ein vielfältiges stilistisches und inhaltliches Spektrum ab. Neben bekannten Namen wie Louise Bourgeois, Claude Cahun, Leonora Carrington, Frida Kahlo, Meret Oppenheim oder Dorothea Tanning sind zahlreiche bislang weniger bekannte Persönlichkeiten wie Toyen, Alice Rahon oder Kay Sage aus mehr als drei Jahrzehnten surrealistischer Kunst zu entdecken. Sie werden in der Schirn jeweils mit einer repräsentativen Auswahl ihrer Arbeiten vorgestellt. Die Ausstellung spiegelt zudem Netzwerke und Freundschaften zwischen den Künstlerinnen in Europa, den USA und Mexiko. Für die Präsentation konnte die Schirn bedeutende Leihgaben aus zahlreichen deutschen und internationalen Museen, öffentlichen wie privaten Sammlungen gewinnen und in Frankfurt zusammenführen, u. a. aus dem Metropolitan Museum of Art, New York; der Tate, London; den National Galleries of Scotland, Edinburgh; dem Centre Pompidou, Paris; dem Musée d’art moderne de la ville de Paris; dem Musée national Picasso, Paris; dem Kunstmuseum Bern; dem Kunstmuseum Basel; dem Moderna Museet, Stockholm; dem mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien, und dem Museum de Arte Moderno, Mexiko-Stadt.

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Die rund 260 Werke von 34 Künstlerinnen eröffnen eine gänzlich neue Perspektive auf die surrealistische Kunst. Es ist ein umfassender Überblick über die dezidiert weibliche Seite der Bewegung, wie er bislang noch nicht zu sehen war. In der Zusammenschau werden das internationale Netzwerk, die unglaubliche Vielfalt und die beeindruckende Eigenständigkeit der bekannteren wie auch unbekannteren Künstlerinnen des Surrealismus deutlich. Denn der Surrealismus war eine Geisteshaltung, kein Stil.

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Gleich zu Beginn der Ausstellung wird Meret Oppenheim (1913 Berlin – 1985 Basel) präsentiert, die als eine der ersten surrealistischen Künstlerinnen zu frühem Ruhm gelangte. Sie bewegte sich in jungen Jahren im unmittelbaren Umfeld der Surrealisten in Paris. Die Gruppe traf sich regelmäßig, diskutierte über politische Entwicklungen ebenso wie über die damals neue Psychoanalyse, deren Erkenntnisse sie als Impulse nutzte, um die Gesellschaft mit den Mitteln der Kunst zu verändern. Bereits 1936 nahm das New Yorker Museum of Modern Art Oppenheims ikonische „Pelztasse“ in seine Sammlung auf – sie gilt bis heute als das surrealistische Objekt schlechthin. Die Schirn zeigt Werke der Künstlerin aus den 1930er- bis 1970er-Jahren, darunter Skulpturen wie Urzeit-Venus (1933/62) und Gemälde, etwa Das Auge der Mona Lisa (1967). Die offiziellen Mitglieder der surrealistischen Gruppe um André Breton waren zunächst Männer, ab den 1930er-Jahren stießen zahlreiche Künstlerinnen dazu und beteiligten sich an den internationalen Surrealismus-Ausstellungen, etwa in New York (1936), Paris (1936 und 1938), Tokyo (1937), Amsterdam (1938) und Mexiko-Stadt (1940). Man kann von verschiedenen Generationen des Surrealismus sprechen: Die Künstlerinnen waren meist jünger, viele ihrer Hauptwerke entstanden daher in den 1940er- und 1950er-Jahren. Obwohl bis in die 1960er-Jahre weitere Ausstellungen der Gruppe stattfanden und sie sich erst 1969 auflöste, sahen zahlreiche Chronisten den Surrealismus mit dem Zweiten Weltkrieg als beendet an. Auch aufgrund dieser Erzählweise fanden die Werke der Künstlerinnen bislang zu wenig Berücksichtigung.

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Le désir (das erotische Begehren) ist ein zentrales Thema des Surrealismus, der Körper der Frau ein wiederkehrendes Motiv in den Werken. Das Verhältnis der männlichen Surrealisten zu ihren Kolleginnen ist insgesamt als ambivalent zu bewerten. In vielerlei Hinsicht lehnte die Bewegung traditionell bürgerliche Vorstellungen von Familie, Sexualmoral und Eheleben ab. In den Werken der Künstler wird die Frau aber oft objektiviert, als passive Kindfrau, Fetisch oder Muse, fragmentiert oder geköpft dargestellt. Davon unterscheidet sich die Perspektive der Künstlerinnen: Zahlreiche Selbstporträts und Darstellungen der Frauen sind geprägt von einem spielerischen, selbstbewussten Umgang mit ihrem Körperbild und der weiblichen Sexualität. Die Ausstellung zeigt u. a. das Autoportrait, à l’auberge du Cheval d’Aube (1937/38) von Leonora Carrington (1917 Clayton Green – 2011 Mexiko-Stadt), in dem sie sich in der Kleidung eines jungen Mannes aus dem 18. Jahrhundert in Hosen dargestellt hat, flankiert von ihrem wiederkehrenden Alter Ego, einem Pferd, und einer Hyäne als Symbol ihres Freiheitsdrangs. Ithell Colquhoun (1906 Assam – 1988 Lamorna) malte mit Tree Anatomy (1942) eine humorvolle Umdeutung einer Vulva. Die Künstlerin Claude Cahun (1894 Nantes – 1954 Saint Helier) schuf bereits in den 1920er-Jahren ihr Hauptwerk, eine Serie von beeindruckenden und äußerst aktuellen fotografischen Selbstporträts und Fotomontagen, in der sie Androgynität und das Spiel mit Geschlechterrollen thematisierte, etwa um 1927 in Self-Portrait (I am in Training … Don’t Kiss Me). Das Werk von Leonor Fini (1907 Buenos Aires – 1996 Paris) enthält überproportional viele Männerakte, denen starke Frauenfiguren den Weg weisen wie in Dans la tour (Im Turm; 1952) oder Schutz gewähren wie in Divinité chtonienne guettant le sommeil d’un jeune homme (Erdgottheit, die den Schlaf eines Jünglings bewacht; 1946). Die Künstlerinnen rebellierten gegen geschlechtsspezifisches Rollenverhalten und präsentierten sich auch selbst mit einem betont androgynen Aussehen (Oppenheim, Cahun, Toyen) oder in unterschiedlichen Rollen und Maskeraden.

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Die Surrealisten nutzten Spiele und Techniken wie die écriture automatique (automatisches Schreiben), Traumprotokolle oder Collagen, um Zugang zum Unbewussten zu eröffnen und dem Zufall Raum zu geben. Jacqueline Lamba (1910 Saint-Mandé – 1993 La Rochecorbon), Emmy Bridgwater (1906 Birmingham – 1999 Solihull) oder Unica Zürn (1916 Berlin – 1970 Paris) arbeiteten in ihrem Werk ganz zentral mit diesen Methoden. Eine eigene Sektion der Ausstellung ist den cadavres exquis gewidmet. Diese Zeichnungen oder Collagen entstanden als Gruppenspiel: Auf einem gefalteten Papier führten die Teilnehmer nacheinander die Darstellung des Vorgängers fort, ohne zu sehen, was jener kreiert hatte. Solche kollektiven Kunstwerke sollten auch den Zusammenhalt der Gruppe stärken. An diesen Spielen nahmen Mitglieder der Gruppe wie André Breton, Paul Éluard, Valentine Hugo (1887 Boulogne-sur-Mer – 1968 Paris), Jacqueline Lamba oder Yves Tanguy ebenso teil wie Laien oder Autodidakten, etwa Nusch Éluard (1906 Mulhouse – 1946 Paris).

Photomontage "29 rue d'Astorg", en 1936

Im Kreis der Surrealisten spielte die Auseinandersetzung mit antiker Mythologie sowie vorchristlichen und außereuropäischen Mythen und Sagen eine wichtige Rolle. Die mythische Sagengestalt des Mittelalters Melusine (Frau und Meereswesen) und die rätselhafte ägyptische Sphinx (Frau und Löwe mit Flügeln) stehen oft als Symbole für die Metamorphose, das Veränderliche, aber auch für die dämonische Verführerin und Femme fatale. Auf der Suche nach Vorbildern für ein weibliches Identitätsmodell griffen die Künstlerinnen das Motiv des Mischwesens besonders häufig auf. Die Schirn zeigt u. a. La venadita (Der kleine Hirsch; 1946) von Frida Kahlo und die Skulptur La Grande Dame (1951) von Leonora Carrington und José Horna.

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Die tschechische Malerin Toyen (1902 Prag – 1980 Paris) entwickelte für sich ein geschlechtsneutrales Pseudonym, abgeleitet vom französischen citoyen (Bürger). Ihr ging es nicht um Gegensätze zwischen männlich und weiblich, animalisch und menschlich, sondern um Ähnlichkeiten. In Le Paravent (1966) setzt sie einen Mund an die Stelle des Geschlechts der weiblich anmutenden Figur und schafft eine Szene, die zwischen Begehren und Furcht changiert.

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Während des Zweiten Weltkriegs emigrierten viele der Surrealisten, u. a. in die USA oder nach Mexiko. Eine lebendige surrealistische Szene entwickelte sich in Mexiko um Frida Kahlo (1907 Coyoacán – 1954 Mexiko-Stadt). Die Malerin kombinierte in ihrer individuellen Ikonografie Motive der präkolonialen Kultur Mexikos mit christlichen Symbolen sowie ihrer persönlichen Biografie. Sie betonte matriarchale, feministische Traditionen und trug bewusst die Tracht der Gegend um Tehuana, die für ihre von Frauen dominierte Kultur bekannt war.

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Zu einer zentralen Persönlichkeit in Mexiko-Stadt wurde auch die Dichterin und Malerin Alice Rahon (1904 Chenecey-Buillon – 1987 Mexiko-Stadt), die erste Frau, deren Texte 1936 in den Éditions surréalistes verlegt wurden. Unter den weiteren surrealistischen Künstlerinnen, die sich in Mexiko niederließen und sich intensiv mit der präkolumbianischen Vergangenheit, der überbordenden Natur und den mexikanischen Mythen auseinandersetzten, waren die Malerin und Schriftstellerin Leonora Carrington, die Malerin Bridget Tichenor (1917 Paris – 1990 Mexiko-Stadt) sowie Remedios Varo (1908 Anglés – 1963 Mexiko-Stadt), deren Malstil die surrealistischen Techniken der Fumage, Frottage und Décalcomanie mit der Darstellung detailreicher altmeisterlicher Figuren vereint.

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Die Fotografie bot den Surrealistinnen zahlreichen Möglichkeiten, die Abbildung der Realität durch Retuschen, nachträgliches Kolorieren, Montagen und extreme Belichtungen zu verfremden und infrage zu stellen. Jane Graverol (1905 Ixelles – 1984 Fontainebleau) oder Lola Álvarez Bravo (1903 Lagos de Moreno – 1993 Mexiko-Stadt) nutzten zudem die Technik der Collage, um Widersprüchliches zu verbinden. Gerade unter den Fotografinnen positionierten sich einige Künstlerinnen politisch. Das Werk von Dora Maar (1907 Paris – 1997 ebenda) weist neben surrealistischen Themen, die Schirn zeigt etwa 29, rue d’Astorg (1936), ein tiefgreifendes Interesse am Zeitgeschehen auf. Neben Breton unterzeichnete sie 1934 das Manifest Appel à la lutte (Aufruf zum Kampf) gegen die erstarkenden faschistischen Strömungen.

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Claude Cahun war in den Jahren um 1940 aktiv im Widerstand tätig und verstarb letztlich an den Folgen einer Inhaftierung. Eine besondere Rolle nimmt Lee Miller (1907 Poughkeepsie – 1977 Chiddingly) ein, die nach ihrer surrealistischen Phase ab 1944 als Kriegsfotografin tätig war. Über sie habe ich ganz am Anfang berichtet.

Großartig und damit sehr empfehlenswert!

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Fotos: Schirn Kunsthalle Frankfurt

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Women, women, women …

… at Schirn Kunsthalle Frankfurt. Till July 5, 2020. Online Tickets here!

Besides famous female artists such as Louise Bourgeois, Frida Kahlo or Meret Oppenheim, visitors will be able to discover countless unknown but exciting artistic positions from over three decades of Surrealist art, such as Alice Rahon or Kay Sage.

Soon more at sl4artglobal!

 

Fury friends – Fellfreunde

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Siegfried. Thomas Theodor Heine.


Deutsch siehe unten.

Loyal Friends. Dogs and Humans

Special exhibition

28 November 2019 to 19 April 2020 (a prolongation of this exhibition is possible. Check the latest news here!)

Bayerisches Nationalmuseum
Prinzregentenstraße 3
80538 München
Telefon +49 (0)89 21 12 40 1
bay.nationalmuseum@bnm.mwn.de

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Armer Hund und reicher Hund. Richard Dodd Widdas nach dem Original von Alfred Dedreux.

Dogs have always been faithful friends and companions of humans. The close relationship with mankind’s favourite pet has been illustrated in art and in our cultural history in manifold ways. This major exhibition illuminates the eventful relationship between humans and animals through high-ranking works of art and spectacular testimonies to the culture of every day life. Here the dog appears as a companion and helper and as a status symbol. But eroticism, humour and feelings also play an important role. More than 220 objects – from exhibits of an Egyptian dog mummy over magnificent paintings to the robot dog Aibo – reveal a fascinating spectrum of artistic expression. Famous dog owners such as Frederick the Great, Bismarck, Empress Elisabeth of Austria (Sisi), Thomas Mann, Queen Elizabeth II, David Bowie and Munich’s pompous fashion designer Rudolph Moshammer are showcased, as are the works of Anthonis van Dyck, Loriot and Rudi Hurzlmeier, Grace Kelly’s poodle diamond brooch, the taxidermy of the German shepherd Zorro and the tuxedo of Sir Henry; Germany’s most famous pug. In reflecting on dogs, the exhibition also tells us something about humankind and our idea of humanity.

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Big Dog in a Big City. Amit Elkayam.

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Hundeinvasion im Café Luitpold. Thomas Theodor Heine.


Treue Freunde. Hunde und Menschen

Sonderausstellung
28. November 2019 bis 19. April 2020 (eventuell wird die Ausstellung verlängert. Checkt die Öffnungszeiten hier!)

Bayerisches Nationalmuseum
Prinzregentenstraße 3
80538 München
Telephone: +49 (0)89 21 12 40 1
bay.nationalmuseum@bnm.mwn.de

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Stationery Figures. William Wegman.

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Seit jeher ist der Hund treuer Freund und Begleiter des Menschen, doch die Beziehung ist nicht ungetrübt … In der Kunst und Kulturgeschichte spiegelt sich das unauflösliche und meist positiv besetzte Verhältnis zum beliebtesten Haustier auf vielfältige Weise.
Das Bayerische Nationalmuseum geht der Allianz zwischen Hund und Mensch nun in einer umfassenden Ausstellung auf den Grund. Mehr als 200 Werke, darunter hochrangige Werke der bildenden Kunst und spektakuläre Zeugnisse der Alltagskultur, führen das uralte wechselvolle Mensch-Tier-Verhältnis in seinen verschiedenen Facetten vor Augen.

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Leihgaben aus internationalen Museen und Sammlungen sowie kaum bekannte Kunstwerke des Bayerischen Nationalmuseums eröffnen ein breites Spektrum von der Antike bis zur Gegenwart. Prominente Hundehalter wie die Queen, Sisi, David Bowie und Rudolph Moshammer sind ebenso vertreten wie Zeichnungen von Loriot und Rudi Hurzlmeier oder eine Pudel-Diamantbrosche von Grace Kelly. Die Ausstellung umfasst zahlreiche Gattungen – von der ägyptischen Hunde-Mumie über mittelalterliche Altartafeln bis zum Hunderoboter. Die einzelnen Kapitel behandeln Themen wie Treue und Freundschaft, Dienstbarkeit, Statussymbole und Erotik, aber auch die Gefährlichkeit des Hundes. In allen Bereichen erzählt die Ausstellung auch etwas über den Menschen selbst und unsere Vorstellung von Menschlichkeit.

Zur Ausstellung gibt es einen umfassenden Katalog.

 

After 2013: Gunter Sachs again in Schweinfurt

JAY ULLAL, Portrait Gunter Sachs, 1972, Schwarz-weiß (Large)

Jay Ullal, Portrait Gunter Sachs, 1972, o.A. Foto © Jay Ullal

„Gunter Sachs – Kamerakunst. Fotografie, Film und Sammlung“

Kunsthalle Schweinfurt

15. März bis 16. Juni 2019

Wie schon 2013 hat mich auch die zweite, Gunter Sachs gewidmete Ausstellung, restlos begeistert. Absolut empfehlenswert!

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Gunter Sachs, Hommage à Warhol (Claudia Schiffer), 1991, C-Print auf Kodak Endura Papier. Foto © Estate Gunter Sachs

Gunter Sachs war über ein halbes Jahrhundert (1960 – 2011) hinweg nicht nur eine der schillerndsten, sondern auch meist fehleingeschätzten Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens. So sehr ihn sein extrovertierter Lebensstil in der öffentlichen Wahrnehmung zum „Liebhaber der schönen Frauen“ stempelte, so sehr pflegte Gunter Sachs selbst seine Laufbahn als „Liebhaber der schönen Künste“. Gunter Sachs war Kunstsammler, Mäzen, Galerist, Kurator, Freund der Kunst und der Künstler, aber vor allem war er selbst ein erfolgreicher Fotograf und Filmemacher.

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Andreas Feininger, Brooklyn Bridge, NY Downtown Manhattan, 1940, Silver Print. Foto © Estate of Gertrud (Wysse) Feininger

Die Kunsthalle Schweinfurt zeigt in der Überblicksschau „Gunter Sachs – Kamerakunst. Fotografie, Film und Sammlung“ erstmals Fotografien von Gunter Sachs im Zusammenhang mit seiner Fotografiesammlung und knüpft damit zu ihrem zehnjährigen Jubiläum an die erfolgreiche Ausstellung „Die Sammlung Gunter Sachs“ von 2013 an.

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Gunter Sachs, Ascot, 1995, C-Print auf Kodak Endura Papier. Foto © Estate Gunter Sachs

Gezeigt werden zahlreiche Fotografien von Gunter Sachs aus den Bereichen Mode, Stillleben, Architektur, Portrait, Landschaftsfotografie sowie Experimental- und Konzeptfotografie. Diese werden im Kontext seiner eigenen, bislang in dieser Fülle noch nicht gezeigten Fotografiesammlung präsentiert, die Werke aus den 1930er-Jahren bis in die Gegenwart umfasst, von bekannten Größen wie Andreas Feininger, Andy Warhol, Irving Penn und Horst P. Horst sowie mehrere Arbeiten junger Künstler.

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René Magritte, Arbre et Lune, 1984, Aquarell. Foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2012

Zudem werden in der Schweinfurter Ausstellung die kunsthistorischen Einflüsse auf Sachs‘ Fotoarbeiten wie Surrealismus, Nouveau Réalisme und Pop-Art anhand ausgewählter Arbeiten aus seiner Kunstsammlung zu entdecken sein.

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Gunter Sachs, Esquisse pour une statue (sans éclair), 1979, C-Print auf Kodak Endura Papier. Foto © Estate Gunter Sachs

Ein weiterer Teilbereich der Ausstellung widmet sich dem Phänomen, dass Sachs selbst Zeit seines Lebens ein beliebtes Fotomotiv, eine von Paparazzi gejagte Berühmtheit war und zum Sujet befreundeter Fotografen wie z.B. Will McBride wurde.

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Gunter Sachs, Heldenepos, 1996, C-Print auf Kodak Endura Papier. Foto © Estate Gunter Sachs

Die rund 170 Exponate umfassende Übersichtsausstellung  wird mit der Präsentation des gesamten filmischen Werks von Gunter Sachs abgerundet. Plant Euch deshalb bitte eine extra Stunde ein, um die Doku-Filme anzusehen!

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Gunter Sachs, Cleopatra (Claudia Schiffer), 1991, C-Print auf Kodak Endura Papier. Foto © Estate Gunter Sachs

Auch das Buch zur Ausstellung kann ich sehr empfehlen:

Gunter Sachs Kamerakunst. Fotografie, Film und Sammlung, hg. v. Dr. Otto Letze und Maximilian Letze, 248 Seiten mit über 208 farbigen Abbildungen, Hirmer Verlag, ISBN 978-3-7774-3327-1, Preis 34,90 Euro (Sonderpreis im Museumsshop), 39 Euro (im Buchhandel).

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Thomas Ruff, Nudes, o. A., Extrachrome. Foto © VG Bild-Kunst, Bonn 2012

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Gunter Sachs, Bally Serie, 1977, C-Print auf Kodak Endura Papier. Foto © Estate Gunter Sachs

 

Artist colony Ahrenshoop, Baltic Sea

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Recently I visited this wonderful small fairy tale place at Germany’s Northern coastline. I felt like stepping into a painting.

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Studios invite to view their exhibitions.

In 1892 painters founded the artists‘ colony of Ahrenshoop. Painters like Anna Gerresheim, Paul Müller-Kaempff and others built their houses in the small village by the sea. They invited other artists to come to Ahrenshoop and established a flourishing art scene which is still alive. Hundreds of renowned artists of almost all important movements of modern German art visited the small seaside town. They reflected the village and its surrounding in their works of art.

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Today Ahrenshoop established an artist way with different stops. At every sight you can compare the artist painting with the view you have now. It is so interesting, especially for an art lover like me. It brings you to a long lost world and you can explore how painters worked in former times and which perspectives of the motives they had.

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Throughout the year, the artists‘ colony of Ahrenshoop offers a wide range of options: The exhibition centres display art from the beginnings of the artists‘ colony through to the present day. From paintings and drawings as well as sculptural works and photography, you will find everything here. Small studios and workshops invite you to view their traditional handicrafts and to join in and get creative. Concerts, lectures, film nights, exhibition openings, tours and much more – there is something to enjoy at any time of year.

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The Kunstmuseum Ahrenshoop is worth a visit.

Kunstmuseum Ahrenshoop is a museum dedicated to the artists‘ colony. A collection of 900 works represents artists and genres to the present day. A permanent exhibition shows works of the colony’s founders. They created excellent paintings of landscapes, portraits and interiors. Regularly changing exhibitions are dedicated to classical modernism, art from East Germany and contemporary artists connected.

The unique light on the narrow strip of land between the Baltic Sea and the Bodden displays nature in all of its radiance. Whenever you are in the region go to Ahrenshoop. It is a magical place.

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Munich: Peter Lindbergh and his Supermodels

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White Shirts: Estelle Léfebure, Karen Alexander, Rachel Williams, Linda Evangelista, Tatjana Patitz & Christy Turlington, Malibu, 1988 © Peter Lindbergh (Courtesy of Peter Lindbergh, Paris / Gagosian Gallery)

PETER LINDBERGH

FROM FASHION TO REALITY

April 13 – August 27, 2017
daily 10 – 20 h

Kunsthalle München
Theatinerstraße 8
80333 München

www.kunsthalle-muc.de

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Kate Moss, Paris, 2014 Vogue Italia © Peter Lindbergh (Courtesy of Peter Lindbergh, Paris / Gagosian Gallery) Giorgio Armani, S/S 2015

This exhibition about German photographer Peter Lindbergh (born 1944 in Lissa), one of the most influential fashion photographers of the past 40 years, features more than 220 photographs. His iconic images, with which he heralded the supermodel phenomenon in the 1990s, will be presented along with unpublished photographs and unseen material, varying from personal notes, storyboards, props, polaroids, contact sheets and films to monumental prints. His avant-garde images quickly addressed concerns of society in a world with established aesthetic codes: his pure black-and-white photographs have determined the course of fashion photography since the early 1980s.

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Tribute to Nijinski (Kristen McMenamy), New York, 1993 Harper’s Bazaar © Peter Lindbergh (Courtesy of Peter Lindbergh, Paris / Gagosian Gallery) Valentino, Spring/Summer 1993

Lindbergh’s predominantly black and white photographs that capture the fleeting moment opened up a new dimension of realism in fashion photography, revolutionizing the visual idiom of the well-known magazines and fashion labels. Avoiding the artifice of fashion photography, Lindbergh was the first to focus on the unique personalities of his models. Instead of beautifully dressed human “clothes horses”, he portrayed self-assured, expressive personas, from the femme fatale to the heroine, but also the female dancer and the actress. His oeuvre is characterized by portraits that radiate a certain lack of inhibition and physical grace.

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Pina Bausch, Paramount Studios, Los Angeles, 1996 © Peter Lindbergh (Courtesy of Peter Lindbergh, Paris / Gagosian Gallery) Giorgio Armani

About the exhibition

The exhibition “From Fashion to Reality” is an homage to Lindbergh’s multifaceted oeuvre from 1978 to the present day. The show has a thematic approach, marking his creative development and focusing on the passions he developed over the years.

Eight different sections have been devised: “Supermodels”, “Couturiers”, “Zeitgeist”, “Dance”, “The Darkroom”, “The Unknown”, “Silver Screen” and “Icons”.

Supermodels

Models like Naomi Campbell, Linda Evangelista, Kate Moss, Christy Turlington and Tatjana Patitz, among others, were young and unknown when Lindbergh photographed them in the late 1970s and 1980s. Later, their first names became household names that rolled off tongues the world over. While the focus of influential fashion magazines like Harper’s Bazaar or Vogue had hitherto been on the clothes, the spotlight was now being shone onto the women presenting them. This section shows Lindbergh’s iconic pictures from the 1990s and is complemented with photographs from the recent reunion of the supermodels (published in Vogue Italia, September 2015). Lindbergh shows that twenty-five years later, they have not lost any of their beauty and personality.

Check it out! The exhibition is really great!

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Charlotte Rampling, Paris, 1987 Vanity Fair © Peter Lindbergh (Courtesy of Peter Lindbergh, Paris / Gagosian Gallery)